Cual ave del paraíso, Lo Mejor de la Haute Couture Otoño 2018/19, se cubre de plumas y brillantes detalles para presentarnos las más exquisitas creaciones. La elegancia se torna tema principal de las 34 colecciones de Alta Costura vistas, contando como incomparable escenario con la Ciudad de las Luces.

¡Lo Mejor de la HAUTE COUTURE Otoño 2018/19!

Acuñado hace ya 160 años, el término “haute couture” hace referencia a la forma más alta de crear prendas. Una excelencia en el coser que posee estrictas normas y que a de contar con la aprobación de la Cámara Sindical de la Haute Couture. Diseños de Alta Costura que no escapan a las tendencias apostando por vestidos princesa con adornos exóticos y detalles de plumas, pedrería, transparencias, pliegues, velos, sombreros de fieltro y gorros de Peter Pan.

1. ARMANI PRIVÉ    La leyenda y gloria italiana presenta una colección que celebra los valores de belleza y modernidad, apreciando plenamente su hábil “savoir-faire d’atelier”. La calidad intemporal del estilo Armani es el núcleo de un lenguaje que permanece fiel a sí mismo y que sigue en línea con los tiempos. Las líneas puras se atenúan por la elegante sensualidad de las siluetas fluidas y femeninas, que se mezclan con un sentido decorativo y cromático que a la vez es ligero y suntuoso. Un inimitable sentido de glamour elegante que siempre cautiva con su legendario encanto.

El icónico traje Armani adquiere una sensación moderna y dinámica pero mantiene su elegancia sin cambios; las chaquetas son pequeñas con proporciones perfectamente equilibradas combinadas con fluidos pantalones en brillantes telas. Los vestidos de noche acarician suavemente el cuerpo con ceñidas siluetas, impalpables capas de tul se abren con delicadeza; volantes, lazos y bordados finos envuelven volúmenes graciosamente esculpidos; suntuosas plumas y cristales explotan en espectaculares y lujosas capas y capas. Pumps de satén de tacón alto con aplicación de cristales y perlas.

2. CHANEL    La firma siempre ha personificado a la “chica chic francesa”, como la definía su homónima, Coco Chanel. La colección de este año se mantiene fiel a esa estética, fusionando la elegancia de posguerra del París de 1800 con un libertino ambiente “rockabilly”. Una perfecta dualidad que Karl Lagerfeld es capaz de infundir en sus diseños, añadiendo cremalleras en siluetas conservadoras que revelan a la mujer debajo. “Puedes usarlo con cremallera cuando visitas a tu banquero, ¿no? ¡Y se cierra cuando ves a tu amante después! comentó el diseñador a Vogue.

El clásico traje de tweed se actualiza bajo una lente futurista; las chaquetas resaltan los hombros y las mangas con cremalleras e abren para revelar largos guantes de gamuza, mientras que las faldas largas tienen aberturas laterales que dejan al descubierto cortos pantalones o minifaldas. Para la noche, acolchadas telas de plata y brillantes cristales decoran largos y fluidos vestido. Como calzado, un único diseño de botín de tacón bajo se materializa en tweed, terciopelo, lentejuelas o piel decorado con plumas y cristales.

3. CHRISTIAN DIOR    Maria Grazia Chiuri no cita la inspiración hiperbólica, ni corteja el espectáculo instantáneo que Instagram otorga de una manera engañosamente democrática. La colección presentada en el Museo Rodin (en un espacio con techo de espejo, que se interpreta como un juego metafórico sobre la calidad ilusionista de la percepción) evoca una pureza sólida y esencial. Destaca un trabajo de sustracción muy sofisticado que es en gran medida un tributo a los valores fundacionales subyacentes a la Haute Couture. Es una celebración del “travail d’atelier” invisible, del sabor técnico y creativo que construye formas y volúmenes con un dominio incomparable y en el que cada creación de Alta Costura se consagra, salvaguarda y lega.

En una de sus mejores presentaciones, Maria Grazia Chiuri revela la esencia del conocimiento formidable. que sostiene y realza la singularidad de cada cuerpo femenino, medido con obsesiva meticulosidad para ocultar imperfecciones mientras celebra su belleza. Una silueta elegante y minimalista, con sólo unas pocas concesiones en cuanto a adornos y decoraciones. Los diseños muestran una pureza recatada: cinturones recortados, hombros pequeños, mangas delgadas, faldas sueltas que se abren como la corola de una flor.

4. ELIE SAAB    Si desea echar un vistazo a lo que sus favoritos de la alfombra roja podrían llevar la próxima temporada de premios, no busque más, el diseñador libanés, quien diseñó el famoso vestido bordado que llevaba Halle Berry cuando ganó su Premio de la Academia 2002. “En alta costura no hay límites; podemos soñar, podemos cambiar”, Elie Saab a CNBC en 2015 . “El mundo de la alta costura es otro mundo”.

Para su colección de Otoño-Invierno 2018/2019, las siluetas de Elie Saab se mantienen en otro mundo y ocasionalmente exageradas, como lo demuestran las enormes rosetas de la época de los 80 que adornaban un vestido alto-bajo de color ruborizado que llevaba Cindy Bruna. Pero cuando se trata de un glamour decididamente femenino y confiablemente romántico, el diseñador sigue siendo el hombre elegido.

5. FENDI    ¿Piel real o falsa? Para el otoño de 2018, Karl Lagerfeld y Silvia Venturini extienden el concepto de “haute fourrure” de la firma a la alta costura, y participan en un juego de adivinanzas a lo largo del camino. “Esta tradición de pelaje nos permite hacer alta costura: ropa hecha con pelo, pero también con otros materiales”, dijo el director ejecutivo de la marca, Serge Brunschwig, antes del espectáculo. “Pensamos que era más coherente llamarlo alta costura, porque ese es el servicio que vamos a ofrecer.

Mientras Lagerfeld y Silvia Venturini Fendi trabajaban un par de temas creativos interesantes, aunque no atípicos, pinturas y un plato (obra del pintor checo František Kupka, en exhibición en el Grand Palais, y un plato con un entramado y un motivo floral) – realmente, esta colección fue un homenaje a lo posible. Un juego de adivinanzas, una aventura de “tromp l’oeil”, “adivinar qué es piel y qué no”. Los materiales en esta pista eran asombrosos, con gasa estampada y deshilachada; lentejuelas encogidas por el calor y organza plisada que simula varios tipos de pieles, la última en la falda de un vestido naranja, cuyo corpiño se veía exactamente igual, solo que era visón real.

6. GALIA LAHAV    Corto, furtivo y reluciente resumen el verano de Galia Lahav. La marca israelí, más conocida por su trabajo nupcial, optó por un estilo más efervescente en el que la piel se exhibía ampliamente. Los vestidos fueron cortados o recortados para permitir mostrar suficiente piel. El estado de ánimo se volvió francamente humeante en mini vestidos que parecían haber sido apenas envueltos alrededor del cuerpo.

Las bandas de diamantes de imitación decoraban los bordes y aportaban brillo. Una impresión de los años ochenta apareció en un diseño plateado con hombros marcados. Columnas de tirantes de espagueti de los años noventa, o piel que se filtraba a través de rendijas que se bisecaban desde el hombro hasta el ombligo. La naturaleza exagerada de las propuestas no resultaba irónica, y como tal, resultó inocua y genérica.

7. GIAMBATTISTA VALLI    “Tengo demasiadas ideas”, dijo Giambattista Valli a las cámaras del New York Times en 2015. “Tengo demasiadas cosas en mi mente”. “La idea de la juventud es importante”, dijo el diseñador a Vogue en el backstage en su presentación de alta costura. “Le dan una nueva actitud a la alta costura, o al menos a mis ojos”.

La colección de alta costura de Valli puede diseñarse teniendo en cuenta a un cliente más joven, pero esta colección indica que es una debutante de la vieja escuela, atraída por los tules. Tafetanes, plumas y femeninos adornos de una generación anterior de mediados del siglo XX, remezcladas con un ligero toque “millennials”.

8. GIVENCHY    Clare Waight Keller, directora creativa de la firma, se centró en el juego de lo femenino y lo masculino después de una profunda inmersión en los archivos de Givenchy. En su segunda colección de alta costura para Givenchy, cuyo homónimo Hubert de Givenchy murió a principios de este año, apuesta por la austeridad, enviando modelos de ambos sexos por una pista de espejos en el jardín de Archives Nationales de París apostando por líneas limpias y arquitectónicas que recuerdan al diseñador.

En homenaje a la ex musa de Givenchy, Audrey Hepburn, la diseñadora modificó el icónico vestido negro de “Breakfast at Tiffany’s” , y su colección logró insinuar un tipo diferente de sensualidad, como la apertura de una flor.

9. GUO PEI    El diseñador chino saca su glosario de la arquitectura gótica para una colección de proporciones esculturales. Siluetas esculturales que se hacen eco de las líneas arquitectónicas de arcos, contrafuertes y torres. Los motivos recurrentes extraídos de la arquitectura gótica insinuaron las iglesias de las que se dibujó la decoración de la exposición, una sala dedicada a relieves religiosos en el museo de arquitectura de París. Los corsés se ajustan a la cintura, “paniers” que se elevaban sin peso en el aire. Muchos de sus diseños fueron ricamente bordados con elementos tridimensionales.

A destacar, las estructuras de filigrana que parecían dibujarse por encima de la superficie del vestido. A través de un traductor, Pei destacó el vínculo entre el tiempo y el espacio, la arquitectura y la historia. En pocas palabras, lo calificó como una búsqueda del alma. En ese sentido, la arquitectura gótica no fue una inspiración exótica, sino que “pertenece a la humanidad”. Tiene una fuerza especial. Pertenece y es un tributo a la humanidad”, dijo.

10. IRIS VAN HERPEN    En sus intensivas exploraciones de la artesanía, de la relación entre la naturaleza, la humanidad y la tecnología; una vez más, la diseñadora abre nuevas posibilidades para el futuro de la moda. En un mundo que enfrenta el agotamiento de los recursos naturales, el fascinante mundo biomimético de Iris van Herpen parece cada vez más relevante. A medida que el movimiento por los materiales cultivados en laboratorio continúa cobrando impulso, la diseñadora explora esta temporada la biología sintética y las relaciones entrelazadas entre lo orgánico y lo inorgánico, la biología y la tecnología. La diseñadora incluso acuña un término para ello: “Syntopia”.

Diseños basados en interpretaciones de la arquitectura de una pluma. La diseñadora usa la cronofotografía, una técnica de la época victoriana que captura el movimiento en varios cuadros, para guiar el drapeado de una prenda, rompiendo el proceso para emular la superposición de las plumas de un ave en vestidos esculpidos con dobladillos ondulantes.

11. JEAN PAUL GAULTIER    El diseñador francés traslada a su audiencia a los zocos marroquíes de la década de 1940, mientras rinde homenaje a otro gran momento de la moda: “Le Smoking” de Yves Saint Laurent. De hecho, el fumar -que se ha vuelto culturalmente tabú en la última década- fue el tema de esta colección, ya que se proyectó una voluta continua detrás de los modelos masculinos y femeninos, que caminaron por la pasarela en una colección casi exclusivamente en blanco y negro que abarcó desde “couture” a “prêt-à-porter”.

Las hechuras diseñadas por el afamado sombrerero Stephen Jones fueron un gran acento, al igual que las borlas, a veces hechas de pelo y usadas como pendientes. El riff de Jean Paul Gaultier sobre “Le Smoking” se duplicó como una celebración de “La Cigarette”, celebrado en gargantillas, pendientes y brazaletes.

12. RALPH & RUSSO    La pareja presentó una colección sensual inspirada en el ícono de la moda francesa Jacqueline de Ribes y el apogeo de la moda de los años ochenta. “Queríamos establecer el sentir de la era de principios de los ochenta de feminidad audaz y sexy”, dijo Tamara Ralph después del espectáculo. Cristalizando el estado de ánimo de la temporada había un caftán de chifón multicolor en tonos de rosa fluorescente, amarillo y aguamarina.

Siluetas estructuradas con hombros y cinturas pronunciadas que exhalan sensualidad, plagadas de destellos de piel bien colocados y montones de cristales y plumas. En contraposición, looks más recatados como un hinchado vestido en tafetán rosa. Un esfuerzo por expresar la feminidad actual que consiguieron que la profusión fuera abrumadora.

13. SCHIAPARELLI    La colección de invernaderos de Bertrand Guyon, inspirada en el amor por la naturaleza de Elsa Schiaparelli, encuentra su hábitat natural en la ópera de París. “¡Hizo criaturas de alta costura!”. Inspirada en el fundador de la maison, un italiano nacido en la aristocracia que desarrolló estrechos vínculos con artistas como Salvador Dalí y Jean Cocteau, los diseños de alta costura presentados reviven la estética única y surrealista de Schiaparelli.

Para el día, el diseñador propuso vestidos drapeados y chaquetas ajustadas. Mientras para la noche: la mariposa, símbolo surrealista para el cambio y seña de identidad de la casa, fue un motivo recurrente. Materializado en encaje negro, el insecto se posó en un vestido de tul nude con mangas abullonadas, y se transformó en una máscara sobre un vestido de muaré de seda en el impactante rosa característico de la marca. Una cara de leopardo de la que brotaban doradas alas remataba una chaqueta de piel estampada de leopardo con abultados bolsillos tridimensionales, mientras que un abrigo de intarsia de cachemira se combinaba con una dorada máscara de conejito. No estaban exentos de peligro: una modelo con una cabeza de perro hecha de plumas cayó durante el final del espectáculo.

14. VALENTINO    El color vibrante y el volumen marcaron la colección mágica de Pierpaolo Piccioli, “un montón de sueños”, en el Hôtel Salomon de Rothschild. “Cada vestido de esta colección tiene su propia historia preciosa”, escribió Maison Valentino en un post de Instagram sobre su colección de alta costura. Y aunque enumeramos las colecciones en orden alfabético, nos atrevemos a decir que todavía logramos guardar lo mejor para el final, ya que Valentino demostró exactamente por qué es una etiqueta tan legendaria.

De las muchas historias detrás del colorido y grandioso espectáculo, que presentaba cabellos y siluetas igualmente voluminosas, se destaca: el famoso soliloquio Molly Bloom del Ulises de James Joyce . La pasión de “sí, dije, sí, sí, quiero” de ese pasaje fue evidente en la colección, ahora diseñada por Pierpaolo Piccioli pero que evoca el ascenso del fundador Valentino Garavani en la década de 1960. ¿Y la magnificencia del color de la maravilla de Adut Akech Bior cerrando el espectáculo?

15. VIKTOR & ROLF    “Celebración”. Esa palabra saltó hipnóticamente en la banda sonora de este espectáculo de aniversario, basado en los aspectos más destacados de los 25 años de existencia de Viktor & Rolf, cada aspecto conceptual se reformuló en blanco y se embelleció con cristales de Swarovski. Una conmemoración que se acompaña de una muestra de la obra de la marca en el museo Kunsthal de Rotterdam, titulada “Viktor & Rolf: Fashion Artists 25 Years”.

Pero el dúo holandés de diseño no es propenso a la nostalgia. La idea de convertir todo en blanco, además de servir como una forma inteligente de unir las piezas, “fue también para hacerlo más alegre”, dijo Rolf Snoeren durante un avance. “Está diciendo mucho: esto es lo que somos, esto es lo que hacemos. Se convierte en algo nuevo”. “Nos parece bastante notable que haya un cierto sentido de atemporalidad en las piezas”, añadió Viktor Horsting,

16. ZIAD NAKAD    Para la colección de alta costura “The Snow Crystal Forest” Otoño-Invierno 2018/2019, el diseñador Ziad Nakad propone su visión romántica de una temporada en colores mágicos donde predomina el blanco. Un blanco que parece tan frío como la nieve y que se calienta gradualmente cuando el terciopelo, las plumas, el tul y el encaje se entrelazan a través de los eruditos bordados.

Numerosos recortes en la espalda y los hombros dibujan el cuerpo para revelar una feminidad hechizante. Azul marino, gris y rojo tiñen de color de este bosque mágico. como colofón, la novia cual reina de una noche excepcional, vestida de blanco y oro ilumina este universo para las leyendas de las mil y una noches.

17. ZUHAIR MURAD    El diseñador presentó uniformes militares en un mundo inspirado en las zarinas de la Rusia Imperial y en sus ropas de baile laboriosamente bordadas. Para su línea de alta costura, Zuhair Murad mira a la Rusia imperial, extrayendo las texturas y los patrones de la época, y una serie de referencias a trajes militares. Una paleta oscura sirvió de fondo para elaborar bordados; motivos florales y arabescos aplicados en bronce, oro y plata. El diseñador arrojó un azul brillante, que usó para hacer vestidos largos con capas fluidas.

El rojo servía como un rico acento: tejido en un estampado floral en un vestido de capa con crepé negro en un caso, e incorporado en una chaqueta combinada con pantalones sarouel en otro. También en rojo sólido, un asimétrico vestido cubierto de cuentas, bordado con un motivo de Fabergé. El resto de la paleta cromática se completó con pálidos tonos de verde, gris, marfil y azul. Murad también añadió elementos masculinos tomados de los uniformes militares.

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